10 célèbres peintures pop art de l'art moderne

Vous vous demandez sûrement pourquoi certains bocaux serviraient de sujet d'art. Peut-être que la première impression lorsque vous voyez cette œuvre d'art est très ambiguë. Eh bien, la réponse à cette question peut vous surprendre. Lorsqu'on a demandé à Warhol pourquoi il avait peint les boîtes de soupe de Campbell, la réponse a été qu'il les avait peintes parce qu'il avait mangé le même déjeuner tous les jours pendant vingt ans. Les critiques renversent l'idée de l'illustration en tant que moyen d'ingéniosité et d'originalité, car cette pièce utilise une combinaison de différentes techniques pour créer trente-deux toiles, une pour chaque variété de soupe Campbell's alors disponible.

Les couleurs utilisées et le mimétisme du personnage dans cette œuvre d'art suggèrent un message de désespoir et de tristesse. Même de cette façon, il parvient à séduire un large public. L'image, qualifiée de "chef-d'œuvre du mélodrame", est l'une des premières représentations de l'artiste de femmes dans des situations malheureuses. L'histoire met l'accent sur le mélodrame excessif, et l'idée de Lichtenstein d'une création artistique qui imite la réplication mécanique est illustrée à travers les visuels, qui incluent des points Ben-Day qui représentent le processus d'impression. Il représente une femme sur une mer orageuse avec des larmes dans les yeux. Elle semble éprouver de la détresse mentale à propos d'une relation. Ce sujet apparaît fréquemment pour l'artiste à partir du milieu des années 1960.

L'œuvre d'art suivante a une énorme capacité à éveiller la curiosité. Dès que vous le regardez, de nombreuses questions surgissent dans votre esprit, grâce au style utilisé, au visage agrandi et aux expressions faciales. Dans cette œuvre, une adolescente et son petit ami, Jeff, parlent au téléphone, mais leur relation est en danger à cause d'une force extérieure inconnue. Lichtenstein a créé le sujet de cette peinture et de plusieurs de ses autres œuvres en dupliquant et en modifiant des pages de bandes dessinées individuelles. Ce scénario est issu des séries Girls' Romances et Hidden Hearts de DC Comics. L'artiste a modifié plusieurs des composants de la peinture pour améliorer son attrait esthétique. Ils ont utilisé des couleurs vives, des contours forts et des "points benday" dans l'impression commerciale. En conséquence, la peinture ressemble à un dessin animé plutôt qu'à une image réaliste. Chaque ligne de l'œuvre est en diagonale, ce qui lui donne une sensation de mouvement et de direction. On laisse entendre qu'une ligne va des yeux de la femme au coin inférieur gauche. Étant donné que les lettres de la bulle de texte sont également construites à partir de lignes diagonales, elles ont une personnalité différente. Les histoires tristes de ses sujets rendent ses peintures très populaires dans l'art et les musées.

Quand vous pensez au style pop art, la première chose qui vous vient à l'esprit est Marilyn Monroe, protagoniste de nombreux portraits célèbres. Andy Warhol a créé une série de peintures de Marilyn Monroe en 1962 en utilisant une image fixe de son film de 1953, Niagara. Ses peintures ont eu un impact significatif car elles combinaient les thèmes de la renommée et de la mortalité. Cependant, nous parlerons de sa peinture de 1964, Shot Marilyn, qui représente Marilyn empilée contre un mur avec différentes couleurs et nuances. Une amie de l'un des photographes de Warhol, Dorothy Podber, l'a approché à ce moment et lui a demandé de "photographier" l'œuvre. Warhol a accepté et a pensé qu'elle plaisantait, mais elle a sorti une arme à feu et a tiré sur les quatre tableaux, les transformant en Shot Marilyns. Warhol pensait qu'elle parlait de prendre des photos des gens quand elle a dit « tirer », et il a accepté. Mais Podber a sorti une arme à feu de son sac et a tiré sur les peintures. Les quatre tableaux, connus sous le nom de The Shot Marilyns, ont été touchés par la balle à l'époque.

Une telle peinture décorera grandement n'importe quel espace. Son aspect sophistiqué et charismatique peut être un accent décoratif brillant et captivant. Roy Lichtenstein a souvent utilisé l'action et les bandes dessinées pour adolescents comme base de ses écrits. Dans un tableau, M-Maybe, une belle femme blonde attend avec impatience de voir un homme qui est primordial pour elle. Elle dit: "M-Peut-être qu'il est tombé malade et n'a pas pu quitter le studio", mais il est clair qu'il n'était pas malade et l'avait déjà oubliée. Ce tableau a été créé en 1965, la même année où il a été vendu. Le coût des œuvres d'art de Lichtenstein augmentait, valant plusieurs milliers de dollars. Et cet aspect peut être justifié par leur aspect mécanique et rigide, ce qui est difficile à réaliser.

Lorsque vous regardez cette œuvre d'art, la première question qui vous vient à l'esprit est pourquoi l'artiste a dessiné trois drapeaux et quel est son rôle. Mais ici, la réponse peut vous surprendre, notamment par le fait que Johns a voulu explorer la frontière entre abstraction et représentation, et ce faisant, il a dit qu'il pouvait aller au-delà de la signification des drapeaux eux-mêmes. En 1954, Jasper Johns a créé une peinture de trois drapeaux américains. L'auteur utilise une combinaison de couleurs suspendues dans de la cire chaude qui se solidifie à chaque trait et attire l'attention sur le processus de création de la peinture, résultant en une surface sensuelle, presque sculpturale, à partir de l'accumulation de marques distinctes. Les drapeaux sont disposés d'une manière qui les fait paraître plus petits qu'ils ne le sont, et Johns donne l'impression que les drapeaux flottent dans l'espace. Cela semble bizarre, mais c'est une nouvelle perspective sur la réalité dans l'art.

Dans l'art, comme dans la vie, tout évolue ; ça change. Cette tendance artistique est devenue de plus en plus populaire dans le domaine de la créativité pour parodier certains aspects de la vie et, surtout, pour capturer l'ambiance du jour. Un autre artiste pop américain avec une renommée renommée est Roy Lichtenstein. Les bandes dessinées ont été sa principale source d'inspiration pour ses premiers travaux. Les bandes dessinées ont une influence significative sur son style distinctif, qui se distingue par des bords audacieux et des couleurs vives. Les points Ben-Day sont un motif récurrent dans les peintures et sculptures de Lichtenstein, et il a continué à faire référence à cette esthétique de bande dessinée dans les séries suivantes.

Comme vous pouvez le voir, le Pop Art peut avoir un autre attrait, beaucoup plus romantique, calme et expressif en raison des ombres et des accents utilisés. Bien que de nombreuses artistes pop féminines aient été influentes tout au long de leur carrière, elles sont souvent exclues du récit historique du mouvement. Rosalyn Drexler, dramaturge et artiste d'avant-garde ; Marisol, une artiste conceptuelle et Pop ; et Evelyne Axell, peintre belge, a contribué de manière significative au développement du mouvement Pop. Ces pionnières ont ouvert la voie à l'apparition d'un plus grand nombre d'artistes pop féminines dans les expositions de musées et les ventes aux enchères aujourd'hui.

Cette illustration nous amène à nos dessins animés d'enfance préférés ayant une capacité colossale à apporter notre sourire à nos lèvres et à élever notre humeur même un jour de pluie. Roy Lichtenstein s'est inspiré pour sa peinture à l'huile sur toile Look Mickey de 1961 d'une page du livre d'images de Walt Disney Donald Duck: Lost and Found. Donald est ravi d'avoir attrapé un énorme poisson dans la peinture, et Mickey rit secrètement. Seul le haut du vêtement du canard a pu saisir sa queue. Il illustre l'appropriation par Lichtenstein de son Pop art à partir de la culture populaire actuelle.

Un autre exemple de cette tendance stylistique est la célèbre œuvre d'art "Radiant Baby", réalisée en 1990 par Keith Haring et représentant un bébé rampant. Comme vous pouvez le voir, le nouveau-né est entouré de lumière, comme le montrent les rayons noirs qui s'étendent vers l'extérieur. Les couleurs vives et les contours simples facilitent la compréhension. Le nouveau-né est considéré comme l'expérience la plus innocente et la plus positive de l'existence humaine ; l'auteur utilise souvent ce symbole dans ses œuvres.